Crítica de teatro: Shakespeare Company captura discordância inerente de 'The Winter's Tale'

No reino do público e da crítica moderna, “The Winter's Tale” de William Shakespeare surge como uma obra-prima intrigantemente discordante.

O próprio título sugere uma fábula extravagante, um conto contado para animar as noites de inverno.

No entanto, a sua primeira metade desenrola uma exploração profundamente matizada do ciúme de Leontes, um tour de force no aprofundamento da psicologia humana, mostrando uma intensidade e realismo implacáveis.

Este segmento também serve como um retrato potente dos perigos e responsabilidades inerentes à monarquia, ecoando os temas do “Rei Lear” de Shakespeare. Aqui reside o enigma: por que a peça muda repentinamente em sua conclusão? Por que Shakespeare, tendo construído meticulosamente o impulso trágico nos três atos iniciais, escolhe desarmá-lo com elementos fantásticos e mágicos nos dois atos finais?

Na produção da Long Beach Shakespeare Company, dirigida pela diretora Lauren Johansen, esses tons díspares dentro da peça não são fundidos com força. Em vez disso, Johansen parecia abraçar cada faceta, permitindo que a intensidade crua dos primeiros atos coexistisse com o encanto cômico dos últimos.

O elenco, demonstrando notável coesão, brilhou com uma força coletiva – uma nova marca desta companhia de teatro. Em meio a esse conjunto, duas performances se destacaram distintamente. A interpretação de Hermione por Anastasia Cabaj traçou a jornada comovente de uma rainha comandante a uma prisioneira vulnerável, uma interpretação tão comovente que evoca lágrimas. Igualmente surpreendente foi Amazing Oakes como Paulina, cujo domínio do diálogo shakespeariano continua a decifrar suas complexidades, mesmo para os ouvidos não iniciados.

O projeto cênico, de Jason Sheppard, aproveitou de forma eficaz o espaço limitado, proporcionando um cenário que facilitou os ambientes distintos da peça. Infelizmente, as intrincadas mudanças de cena devem ser realizadas com exatidão, pois há muito pouco espaço para erros, pois há muito pouco espaço, e a falta de ambos leva a algumas mudanças de cena desconfortáveis.

O figurinista Orion Dickey se aventurou em um reino de fantasia renascentista, evocando uma espécie de estética de videogame. Embora esta escolha tenha imbuído a produção de uma qualidade sobrenatural, alguns dos figurinos poderiam ter se beneficiado de suporte estrutural adicional para melhorar a aparência das atrizes.

A verossimilhança é um dos objetivos que muitas vezes buscamos no palco; queremos que algo pareça a vida, da maneira mais honesta possível, mesmo que a história que contamos seja fantástica ou mitológica.

Freqüentemente nos encontramos presos a um tom e quando interferimos em outros aspectos da vida, é chocante. A vida é chocante, a vida é surda em termos de tons, por isso talvez procuremos olhar para apenas uma faceta de cada vez no palco, como forma de compensar as constantes mudanças da vida real.

Esta noção ressoa com a essência de “O Conto de Inverno”, cujas mudanças abruptas de tom imitam as flutuações imprevisíveis da vida real. No meio da aparente desolação, a vida frequentemente revela resoluções surpreendentes, incitando-nos a confrontar a interação de intensas emoções humanas e os elementos fantásticos que se entrelaçam nas nossas próprias narrativas.

A dedicação do elenco e a direção perspicaz de Johansen mostram a essência da peça, capturando a sua discordância inerente como um espelho do curso imprevisível da vida.

O outro show que estreia neste fim de semana é “Exit Wounds” no International City Theatre. Procure essa revisão na próxima semana.

Quando:Até 16 de setembro

Onde:Teatro Helen Borgers, 4250 Atlantic Ave.

Custo:Admissão geral $ 23, $ 13 para estudantes

Informação:lbshakespeare.org

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